Wandavision fue todo un fenómeno, una serie que nos atrapó a muchos y que nos puso a teorizar semana tras semana. En el en esta ocasión tenemos el honor de entrevistar a una persona muy cerca a la producción de esta serie. Les presentamos nuestra entrevista con Quique Rivera, director del comercial de YoMagic para Wandavision.

ENTREVISTA

A toda persona con la cual tengo el placer de dialogar le hago esta pregunta, ¿que fue lo que te hizo “enamorarte” de las artes?

Desde niño tuve interés por el dibujo (en particular me encantaba imitar las caricaturas de los periódicos), así que cuando comencé el bachillerato en la UPR, me matriculé en clases de dibujo del Departamento de Bellas Artes (mis primeras clases formales de arte).  Tomando clases con el Prof. Néstor Millán, (quien se convirtió en mi mentor en las artes), aprendí los aspectos técnicos del dibujo pero más importante aún, aprendí a pensar en el trabajo creativo de manera más conceptual e informada. Más tarde descubrí la escultura y fue muy gratificante para mí el sentirme capaz de diseñar y construir objetos tridimensionales.  Finalmente un día, tomándole fotos a una escultura de plasticina, caí en cuenta de que, a través de la fotografía en secuencia, podía darle vida a mis esculturas, e inmediatamente decidí que esa sería mi profesión artística. 

Graduado de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras, (actualmente soy estudiante del Recinto de Mayagüez) y del Instituto de las Artes de California, ¿como y fueron esos primeros años a nivel profesional luego de que te gradúas?

Fueron dos etapas muy distintas lo que le siguió a ambas graduaciones.  Al graduarme de bachillerato, me enfrenté a un vacío de preparación en una rama del arte y el cine (el stop motion) para el que no había un currículo académico ni historial laboral en la Isla.  Armado de las herramientas de investigación creativa y destrezas artísticas aprendidas durante el bachillerato, comencé un periodo de educación auto-gestionada intensiva, devorando cuanto libro, documental, y video encontraba relacionados a técnicas y teoría de animación, así como técnicas de fabricación para stop motion. De forma paralela, hacía pruebas y experimentos para aplicar lo aprendido, que culminaron en el cortometraje Menuda Urbe (2010), pieza con la cual conseguí ser aceptado a la maestría de Animación Experimental en CalArts.

Los años luego de terminar el programa de maestría, fueron muy distintos, por muchas razones. En primer lugar, representaba el final de mi trayectoria educativa, en la cual me había podido dedicar plenamente a la experimentación y el trabajo de relevancia personal.  En cambio, al graduarme, me tocó sumergirme de lleno en la profesión, pero  ahora como fuente de sustento en una ciudad como Los Angeles donde el costo de vida es bastante alto.  Fue un período medio complicado de ajuste, porque trabajar para clientes y para otras producciones, es muy distinto a trabajar para uno mismo.  Los horarios de trabajo eran intensos, al igual que en los proyectos personales, con la diferencia de que no todos los trabajos eran interesantes, así que me costaba disfrutar de lo que hacía en algunos de ellos.  A esto se le añade que, como te diría cualquier persona que trabaja en industrias creativas, trabajar con clientes puede tener sus momentos muy frustrantes de comunicación, desentendidos, y caprichos. Con el tiempo, la experiencia y la observación, fui aprendiendo a manejar mejor mis expectativas, así como mis destrezas de comunicación y organización, y logré establecer un sistema que funciona mucho mejor que en aquel principio.  De igual manera, con cada proyecto nuevo sigo aprendiendo cómo seguir mejorando.

Director, escultor, animador de cine, fotógrafo, ¿cuánto disfrutas tu trabajo?

Me lo disfruto muchísimo, más que nada porque el stop motion me permite brincar entre disciplinas.  La animación es un arte muy exigente y de procesos a menudo tediosos en sus diversas etapas: pero poder pasar de diseñar a construir, luego fotografiar/animar,  y, finalmente, editar, me ayuda a evitar la fatiga, porque casi siempre, para el momento en que comienzo a cansarme de una parte proceso, ya es tiempo de comenzar la próxima y el interés es renovado.

Eres de San Juan, Puerto Rico, todo un orgullo boricua pero también todo un orgullo latino.  Haz realizado trabajos para diversas empresas, ¿como se siente el llevar el nombre de Puerto Rico y Latinoamérica a cada trabajo en la industria?

Para mí es un orgullo inmenso representar a Puerto Rico y ser un latinoamericano en la industria.  El stop motion es, de por sí, una industria bastante pequeña, incluso a nivel mundial, y los latinos somos pocos, pero cada vez somos más y venimos con mucha fuerza.

Lo tuyo es la animación en stop motion, ¿cuánto tiempo te puede tomar el preparar un solo minuto de película por lo general?

Pues es una pregunta difícil de contestar, porque depende de muchas cosas como por ejemplo: el tipo de construcción que se está realizando, cuántos personajes, cuantas tomas, cuántas escenografías, cuál es el presupuesto y hasta qué estilo de animación se emplea. Todos esos factores afectan la complejidad y por ende la duración de la producción de ese minuto. Diría que, en su forma más sencilla, lo menos que tomaría sería dos meses, pero fácilmente puede ser mucho más.  

Aunque no es un secreto, tal vez muchos no sepan pero recientemente trabajaste en Wandavision, ¿como fue esta experiencia de trabajar con Marvel?

Fue una experiencia sumamente retante, pero a la vez muy divertida. Marvel, como te podrás imaginar, es una compañía muy exigente, y además tiene una estructura de aprobación bastante extensa, por lo que cada decisión creativa recibía varias rondas de notas en diferentes niveles.  Por otro lado, debido a esta misma razón, en un momento me hicieron llegar el comentario de que mis diseños para los personajes del comercial le habían gustado al mismísimo Kevin Feige (presidente de Marvel), lo cual fue bastante surreal para mí.

Aparte de todos los retos y largas horas de trabajo (la pieza dura sólo 40 segundos y la producción tomó 7 meses de producción) fue una experiencia enriquecedora, estoy muy orgulloso con el resultado y más contento aún con la plataforma de presentación tan increíble que fue un show tan original y exitoso como WandaVision.

¿ Que material utilizaste (o utilizaron) para la creación de este falso comercial de Wandavision?

Se emplearon varias técnicas y materiales para la realización de la pieza.  El personaje del niño fue una combinación de impresión 3D en resina con partes esculpidas a mano, y el cuerpo es en silicón con una estructura de alambre adentro.  El tiburón es también de silicón con partes impresas en 3D, y tiene un armazón de acero inoxidable para poder animarlo.  

La isla y sus props (creados por el también puertorriqueño y gran amigo Anuardi J. Cantre-Santiago) fueron construidos  con diversos materiales como el foam, yeso, arena, alambres, venda deportiva, resina de esculpir y papel, entre otros.

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En el falso comercial de Wandavision, a parte de tu arte y diseños, ¿ cuánto de Quique hay en ese guion? 

Traduje el guión tal cual me fue entregado por el estudio Titmouse, Inc, que fueron quienes me contrataron para el proyecto -además trabajaron la postproducción de la pieza-.  El guión es de Marvel, y nos ceñimos al mismo al pie de la letra.

¿Que te pareció la serie?

La serie me pareció genial, me encantó como jugaron con las expectativas que se tienen acerca del universo de Marvel, además estuvo genial todo lo de recrear las décadas del sitcom. Disfruté que en muchos momentos el show no se toma en serio a sí mismo, y que hasta las cosas más bizarras terminaban teniendo algún sentido. Fue una serie que te mantenía tratando de descifrar pistas desde el principio hasta el final, y eso también estuvo bien chévere.

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